REPORTE DE LECTURA: CINE

1. El negocio del cine.

De acuerdo con el actual sistema de producción de películas, por lo general, cada uno de los seis estudios más importantes (Columbia, Paramount, 20th Century-Fox, MCA/Universal, Time Warner y Walt Disney) produce menos de 20 películas al año. El resto proviene de productores independientes, cuya producción, inversión, distribución y exhibición son realizadas por compañías diferentes. La mayor parte de las películas producidas en forma independiente son distribuidas por uno de los seis grandes estudios.

En la actualidad, los vendedores de sueños se enfocan en los compradores jóvenes. Actualmente, casi la mitad de los espectadores cinematográficos es menor de 30 años.

Por ello los éxitos de taquilla más importantes son películas que atraen a este público más joven, como George of the Jungle. Las películas para adultos como The English Patient (El Paciente Inglés), algunas veces son exitosas, pero las películas que encabezan la lista de taquilla por lo general son las que captan el público de menos de 30 años.

En la actualidad las películas son creaciones de un grupo (escritores y productores) patrocinadas por otro grupo (los inversionistas), vendidas a un tercer grupo (los distribuidores) y presentadas por un cuarto grupo (los exhibidores). Ninguna otra industria de medios masivos de comunicación está tan fragmentada.

Pérdida de dinero: caen las ventas de boletos

En 1946, el mejor año de la cinematografía, los cines estadounidenses vendían más de 4 mil millones de boletos. En la actualidad, a pesar de que más personas ven películas en video, el número de entradas vendidas ha disminuido a aproximadamente mil millones. Los exhibidores piensan que si aumentan sus precios de admisión, perderán más espectadores. Ésta es la razón por la que los exhibidores cobran tanto por los refrescos, que es de donde obtienen de 10 a 20% de sus ingresos.

Con un público que se reduce y menos películas exitosas, los estudios se quejan de que pierden dinero en la mayor parte de las películas que suscriben. Los productores señalan que los estudios obtienen ganancias exorbitantes por las películas que distribuyen, lo cual aumenta sus costos de realización. Actualmente, las películas, al igual que muchos otros medios de comunicación, son parte de una propiedad corporativa, lo que implica que lo más importante es la lealtad de los accionistas. Los estudios tienden a seleccionar los proyectos más seguros ya buscar ideas que han probado ser del gusto del público en vez de correr riesgos.

Una manera en que la industria puede predecir sus ingresos es haciendo películas para la televisión. La mitad de las películas que se producen cada año se hacen para la televisión y son producidas por las redes. Las ventas y rentas de videos también generan utilidades confiables.

Dos factores de importancia para fundamentar el futuro de la industria cinematográfica son la venta de derechos subordinados y los avances de la nueva tecnología.

Ganando dinero: venta de derechos subordinados

En 1950, la entrada al cine costaba alrededor de 50 centavos de dólar. Hoy día, aún se puede ver una película por el mismo precio si se renta un video por 2 dólares y se invita a cuatro amigos para verlo juntos. La explosión de las ventas y rentas de videos desde que comenzó a venderse la VCR en 1976 ejerce un poderoso efecto sobre la forma en que opera el negocio de la cinematografía en nuestros días. La venta de películas para video es una parte del mercado de derechos subordinados.

El costo promedio de la realización de una película cinematográfica (en comparación con una película realizada para la televisión) es de 36 millones de dólares, y sólo dos de cada diez de ellas logran obtener ganancias" Algunas películas obtienen mucho dinero", dice David V. Picker, "pero muchas de ellas no lo hacen." Antes de comenzar la filmación de una película, los inversionistas deben constatar que recuperarán su capital. Pueden asegurarse derechos subordinados para garantizar la rentabilidad sobre su inversión. Los derechos subordinados pueden incluir:

·         Pago de derechos de televisión

·         Derechos de televisión de red

·         Derechos de sindicalización (ventas a estaciones de TV independientes)

·         Derechos de aerolínea para películas en vuelos

·         Derechos militares (para presentar películas en bases militares)

·         Derechos universitarios (para presentar películas en campos universitarios)

·         Derechos de canciones para álbumes de la pista sonora

·         Derechos de edición de libros (para guiones originales que se pueden reescribir y vender como libros )

Asimismo, se comercializan más las películas que se vinculan con los productos.

Además, los productos son otra manera de hacer publicidad a una película. Una película que se puede explotar como un paquete de derechos subordinados, con atractivo comercial, es mucho más interesante para un inversionista que una película con potencial limitado.

Con frecuencia, la única opción para un realizador que quiere hacer una película que no tiene derechos subordinados es arriesgar un presupuesto bajo. Una vez que se hace la película, el realizador independiente debe encontrar una manera de distribuirla.

Todo lo anterior limita severamente el número de películas independientes que tienen éxito de taquilla.

2. Signos y códigos del mensaje cinematográfico.

Todas las imágenes contienen signos que produce el cine, las posiciones de cámara, ángulos, posición de objetos o las personas dentro del cuadro utilizando colores, luz o sonido nos dan un mensaje en concreto.
El significado de una película es generado por connotaciones que se construyen utilizando códigos cinematográficos indicados por lo que la cámara capta.
Todas las imágenes necesitan de códigos que tienen un significado cultural.
Dentro de una película podemos observas cintas en blanco y negro que pueden representar lo viejo, antiguo o recrear un momento de nostalgia así como una cinta llena de colores muy saturados nos pueden llevar a lugares mágicos o surrealistas.
La posición de la cámara determina el punto de vista que ve el público, es muy importante para el filme, los movimientos que puede realizar son: tracking, dolly in or out, pannning o tilting. Esto nos ayuda para que el público vea la posición de un personaje, lo que este ve.
El sonido también forma parte de los signos cinematográficos, son sonidos grabados electrónicamente y reproducidos por bocinas, el sonido o nos da una vibra o aura ya sea por medio de música, sonidos o voces, nos llevan a un estado mental en un momento determinado de la película, transmiten sentimientos.

3. La narrativa cinematográfica.

Una narración es un conjunto de acciones organizadas en coordenadas de tiempo y espacio.

Particularidades de la narración fílmica.

Frente a la narración literaria, la narración fílmica es altamente mimética, reposa grandemente en la mostración directa de los hechos, apela más a la percepción audiovisual directa que a la evocación imaginativa de la palabra. Consecuentemente, la narración fílmica se presta más a la acción y sobre todo a la acción interactiva entre personales. Tiene dificultades para la presentación de estados interiores, para jugar con los matices evocativos de la palabra hablada. Lo visual es de una contundencia que subordina los otros factores perceptivos.

La acción.

En todo relato, las acciones no son presentadas azarosamente sino organizadas en diferentes modelos de causalidad que ya son, de entrada, formas de interpretar el mundo o la vida. Para dilucidar la lógica de la acción, algunos críticos literarios han ideado algunos modelos. Sirvámonos de dos de ellos el esquema quinario de Reuter, que se centra en las acciones mismas y el esquema actancial de Greimas que se centra en los personajes.

Esquema de las acciones.

Se parte pues de un estado de cosas inicial que va a sufrir un proceso de modificación como resultado de los acontecimientos referidos en el relato. Esto proceso de modificación o transformación se desencadena como resultado de una fuerza perturbadora y cesa por la acción de una fuerza equilibrante. En el ínterim, se da una dinámica que comprende las distintas opciones de acción que se van abriendo o cerrando a los protagonistas.

El tiempo.

Una narración, fílmica o de cualquier índole, es una representación del tiempo. El tiempo de las acciones es representada en una narración que también opera en el tiempo. Para entendernos mejor, tenemos dos niveles de tiempo, un nivel de significante, el tiempo de la narración, y un nivel de significado, el tiempo “original” de las acciones representadas.

Entre estos niveles puede existir coincidencia (linealidad) o discontinuidad (asincronicidades). La forma más usual de asincronicidad es el flash-back, retroceso en el tiempo. También es importante tener en cuenta los siguientes conceptos: flash forward (atisbo del futuro), tiempo circular (se comienza donde se termina), in-media-res (comienzo con la acción a medias), historias paralelas (cuando fluye más de una línea narrativa).

El narrador y el punto de vista.

Hemos dicho que la narración prefiere presentar los hechos en directo, sin la mediación de la palabra (como en la novela o en el relato oral), es decir sin la intervención de un narrador, aquel que profiere la palabra que narra. Esto viene dictado por la naturaleza de la imagen-movimiento. En el cine, la imagen habla por ella misma, no necesita ser hablada.

4. Los géneros fílmicos.

El análisis de género es un método de estudio, el cual tiene como objetivo clasificar diferentes géneros de películas o videos, mostrando así, que la industria de los films y su audiencia respondan reconociendo los códigos y convenciones que un individuo comprende. El género fílmico es el tema general de una película que sirve para su clasificación.

Muchas películas en la actualidad utilizan las convenciones con un fin cómico y científico. El concepto de género, nos recuerda que las películas no son estructuras autónomas de signos sino también de textos en los cuales existe un contexto social.

El estudio de género se relaciona de una película a otra, pero el estudio intertextual puede incluso ser extendido en relación a otras películas de diferentes textos.

·         Drama  en el cine, películas que se centran principalmente en el desarrollo de un conflicto entre los protagonistas, o del protagonista con su entorno o consigo mismo.

·         Comedia  en las películas realizadas con la intención de provocar humor, entretenimiento o risa en el espectador.

·         Acción  cuyo argumento implica una interacción moral entre el «bien» y el «mal» llevada a su fin por la violencia o la fuerza física.

·         Aventura  contienen situaciones de peligro y riesgo.

·         Terror son hechas con la intención de provocar tensión, miedo y el sobresalto en la audiencia.

·         Histórico es la acción de estas películas ocurre en el pasado, a menudo con intención de recreación histórica.

·         Policíaco  es la derrota del mal en el reino de la actividad criminal.

·         Ciencia ficción el espacio dominado por el hombre o civilizaciones de un posible futuro.

·         Infantil  va dirigidas a niños.

·         Juvenil  va dirigida a adolescentes.

·         Familiar  es realizada con la intención de resultar atractivas a gente de todas las edades.

·         Adulta  es dirigidas exclusivamente a una audiencia adulta; el contenido suele incluir violencia, temas inquietantes, palabras malsonantes o sexo explícito.

5. El público de cine.

La relación con el público es determinante, pues de ella depende en buena medida su supervivencia, a causa de las consabidas exigencias financieras y la disposición de recursos técnicos y humanos que una película, por modesta que sea, requiere. De esta relación con el público es que Hauser extrae su distinción entre arte del pueblo, arte popular y arte superior o de élite.

En el cine, en su calidad de arte joven en comparación a todas las demás y por la sorprendente velocidad con que se desarrolló y evolucionó en su primer siglo, esta relación con el público y estas distinciones en sus características como arte, resultan particularmente interesantes y susceptibles de ser objeto de reflexión, pues se pusieron de manifiesto fenómenos y procesos nunca antes vistos en las otras manifestaciones artísticas.

De otro lado, ese carácter industrial y tecnológico del cine tuvo que ser sustentado por la aparición de un público con unas características afines. Hauser propone que “el último y decisivo paso para la moderna producción de arte en masa es la mezcla de la clase media burguesa con el proletariado y la constitución de aquel cuerpo social situado entre las clases, extraño en igual medida a la burguesía y al proletariado, cuyos miembros llenan hoy lo cines.” Este público, a su vez, coincide con la práctica de un arte popular que tiene como signo distintivo “la  aparición del goce artístico como esparcimiento, el arte como medio de distracción y no de concentración, formación y meditación.”

Si bien el cine en principio fue una atracción de feria, por esta misma razón cultivó una enorme cantidad de público que no necesitaba demasiada formación para afrontar esta nueva forma, no se diga todavía artística, pero sí narrativa y comunicativa. Por su naturaleza fotográfica el cine es la forma de representación más cercana a la vida misma y era poco lo que el cine modificaba la realidad.